.

Wenn wir an einem Samstagabend die Broadways Amerikas entlangfahren, werden wir von den Neonlichtern angezogen, die unserer Fantasie signalisieren: „Halten Sie hier an für eine schöne Zeit, einen Abend in der Stadt und einen wirklich großartigen Film!“.

Der Zauber der Leuchtreklame trug schon lange dazu bei, tagsüber unscheinbare Geschäftsstraßen nachts in pulsierende, schillernde Boulevards zu verwandeln. Bereits in den Anfängen warb die Leuchtreklame für die Vorstellungen und schützte die wartenden Besucher vor Regen und Sonne.
.

Allein die Lichtshow war für die ersten Kinobesucher etwas Besonderes. Selbst wenn sie nicht ins Kino gingen, bot ihnen die Lichtinstallation ein ungewöhnliches und kostenloses Erlebnis. Die Leuchtreklame des "Rialto" erstrahlte und enthüllte eines der größten Glühbirnen-Feuerwerksspektakel New Yorks.

Vom legendären Theater aus dem Jahr 1916 erhob sich ein spektakuläres Sternenrad, während ein Adler vor dem Hintergrund der amerikanischen Flagge mit den Flügeln schlug. Inmitten dieses gigantischen Feuerwerks prangten die Buchstaben R-I-A-L-T-O.

Die Kinokasse, oder „Bijou“, war ein weiteres Markenzeichen des Movie Palace. „Bijou“ bedeutet im Französischen Juwel, und tatsächlich waren diese kleinen Ticketboxen die kleinen Juwelen ihrer jeweiligen Kinos. Die Geschichte des Bijou-Theaters reicht zurück bis in die Zeit der Peepshows, als eine Dame in einem Stand die Eintrittskarten verkaufte und gleichzeitig den Besucherstrom ins Theater regulierte.

So wie das Leuchtschild Besucher anlockte, wurde auch die Theaterkasse zu einem zentralen Anlaufpunkt an der Außenseite des Theaters. Die Kassenhäuschen waren aufwendige Bauwerke für sich und gaben oft einen Vorgeschmack auf das architektonische Meisterwerk im Inneren.
.

Die Gäste, die bereits auf etwas Außergewöhnliches eingestellt waren, wurden beim Betreten des Foyers, der Lobby oder der Rotunde mit Sicherheit überwältigt. Sie betraten eine Welt, deren Erhabenheit ihre Probleme völlig vergessen ließ. Gerade als ein Besucher völlig ehrfürchtig war, erschien ein Platzanweiser, gekleidet wie ein Offizier, und sagte: „Zu Ihren Diensten!“

Samuel Rothafel war der oberste Platzanweiser aller Kinosaal-Platzanweiser. Seine Truppe im "Rialto" trug goldverzierte Kostüme. Wenn es nötig war, einen verspäteten Gast zu seinem Platz zu lotsen, wies der Ritter in glänzender Rüstung mit einem perlmuttbesetzten Stab, der im Dunkeln leuchtete, den Weg.
.

Junge Männer waren stolz darauf, „Platzanweiser“ genannt zu werden. In einem renommierten Kino in der Innenstadt zu arbeiten, war wie die Mitgliedschaft in einem exklusiven Club. Bei der Aufnahme in die Bruderschaft erhielt ein neues Mitglied eine Medaille, eine Anstecknadel und ein Paar makellose weiße Handschuhe.

Sport und andere Freizeitaktivitäten wurden für die Freizeit angeboten. In New York wurden Basketballturniere zwischen den Teams verschiedener Kinos auf einem Court im Keller des Loew's King ausgetragen.

Die Effizienz der Platzanweiser flößte Respekt ein. Ihr Auftreten und ihre Uniform waren meist militärisch. Doch nicht alle Platzanweiser sahen kampfbereit aus. Die Truppe im Valencia Theatre in Baltimore trug spanische Stierkämpferkostüme und farbenfrohe Seidenhemden. Eine sechsköpfige Mariachi-Band unterhielt die Matadore bei ihren Aufgaben.
.

Ein Besucher eines Movie Palace sollte sich stets besonders fühlen, selbst auf den Toiletten. Ein Besuch der Damentoilette war ein unvergessliches Erlebnis. Es lohnte sich fast, ein paar Stunden früher zu kommen, um genügend Zeit für die Schönheitspflege in einem Salon zu haben, der einer ägyptischen Prinzessin oder einer Hofdame würdig gewesen wäre. Selbst die „gewöhnlichsten“ Toiletten der Movie Palaces beherbergten exquisite Antiquitäten.

Ein mechanischer Vogel zwitscherte aus seinem Käfig vor der Damentoilette im Valencia, und die einzelnen Toilettenkabinen hatten kunstvoll verzierte Eingangstüren. Die Lounge im Ambassador Theatre in St. Louis war eine Nachbildung des Salons von Madame Pompador im Schloss Fontainebleau in Frankreich. Direkt vor Madames Salon stand ein mit Blattgold verzierter Flügel im Wert von 7.500 Dollar.

Die Damenlounge im "Los Angeles Theatre" umfasste sechzehn separate Räume, jeder mit Marmor in einem anderen Farbton ausgestattet. Und falls der Film langweilig werden sollte, stand eine Maniküristin zur Verfügung, um die Nägel zu verschönern.

Oft befanden sich diese Oasen der Eitelkeit am Fuße einer eleganten Treppe. Die angrenzende Lounge war mit plüschigen Möbeln, Seidentapeten und unzähligen Spiegeln ausgestattet. Nach ausgiebigem Verweilen konnte eine Dame unbesorgt wieder nach oben schlendern, ohne befürchten zu müssen, dass ihr Begleiter verärgert sein könnte, denn die Herrentoiletten waren ebenso prachtvoll wie die Damentoiletten.

Wunderschöne Fliesen, geschnitzte Paravents, Laternen und kunstvolle Möbel schmückten die Herrenlounge im persischen Stil des Avalon Theatre in Chicago. In der Radio City Music Hall konnten die Herren in einem der Art-déco-Minimuseen von Donald Deskey entspannen. Der Raucherraum im zweiten Zwischengeschoss beherbergte originale Deskey-Möbel und ein wunderschönes Wandgemälde mit dem Titel „Nikotin“, das die vielfältige Geschichte des Tabaks auf einem einzigartigen Aluminiumhintergrund illustrierte.
.

Nachdem die verwöhnten Gäste den Empfang mit Militärkadetten und luxuriösen Lounges genossen hatten, betraten sie den Hauptsaal für den zweiten Teil der Show: Live-Unterhaltung und Film.

In bequemen, einfarbigen Sesseln (Roxy Music Hall war der Ansicht, dass farbenfrohe Polster mit der Kleidung der Gäste kontrastieren und somit die Gesamtwirkung des Theaters beeinträchtigen würden) lehnten sich die Zuschauer zurück und warteten gespannt auf den Beginn des nächsten magischen Abends.

Ein komplettes Sinfonieorchester war für einen kleinen Stadtpalast in der Regel zu teuer, daher übernahm die mächtige Wurlitzer-Orgel die gesamte musikalische Gestaltung. Im Orchestergraben oder in einer Nische direkt neben der Bühne aufgestellt, war die Wurlitzer so gewaltig, dass sie den Spieler an der Orgel winzig erscheinen ließ.

Die Orgel wirkte wie die Stimme einer Gottheit, die die Emotionen des Publikums und der Schauspieler auf der Leinwand lenkte. Diese unglaubliche Maschine, ursprünglich „Unit Orchestra“ genannt, wurde um 1908 von Robert Hope-Jones erfunden und von der Wurlitzer Company hergestellt. Hope-Jones verwandelte die gewöhnliche Kirchenorgel in die mächtige Wurlitzer der Filmkathedrale.

Auf Knopfdruck erklangen Glockenspiele, Snare-Drums, Banjos, Tamburine oder Schlittenglocken durch Tausende von Pfeifen und erreichten ein gebanntes Publikum.

Neben Musikinstrumenten konnten Organisten auch Kanarienvögel, Feuerwehrautos, Hurrikane oder Dampfschiffpfeifen herbeirufen. Ihre Akkorde konnten die musikalischen Leidenschaften von Liebe, Wut, Hass und Eifersucht zum Ausdruck bringen.
.

Der Movie Palace ermöglichte es dem durchschnittlichen Kinobesucher, klassische Musik, Oper und gelegentlich auch Ballett zu erleben. Das Orchester bestand oft aus versierten Musikern und renommierten Dirigenten. Eugene Ormandy war ein früher Maestro am Capitol Theatre, der sein Publikum mit den erhabenen Klängen von Beethoven, Tschaikowsky und Brahms vertraut machte.

Roxy pflegte seinen anspruchsvollen Geschmack, indem er sein Publikum mit Klassikern verwöhnte und gleichzeitig beliebte Stücke wie patriotische Lieder und Chormädchen präsentierte. Ein Prolog von Sid Grauman konnte eine glamouröse Modenschau mit schönen Mädchen in Badeanzügen oder prächtigen Roben beinhalten. Balaban und Katz, die großen Unternehmer Chicagos, waren der Ansicht, dass die Bühnenshow zwar einem Thema folgen, aber keinen Bezug zum Film haben sollte. Zusammen mit dem Showman Frank Cambria präsentierten sie Bühnenshows, die ebenso aufwendig kostümiert und detailreich waren wie die Rapp & Rapp Theater, in denen sie spielten. Viele große Künstler traten auf der Bühne des Movie Palace auf.

Franchon und Marcos Sunkist Beauties und die Chester Hale Girls boten dem Publikum unvergessliche Unterhaltung, doch die wohl größte Show von allen, die bis heute ungebrochen erfolgreich ist, sind die Rockettes der Radio City Music Hall mit ihren legendären Beinen.

Die ursprünglichen „Rockets“ wurden von Russell Markert gegründet und bestanden aus sechzehn Tänzerinnen. Das Roxy Theatre fusionierte zwei Rockets-Gruppen und nannte die 32 Mädchen die Roxyettes. Nach dem Umzug vom Roxy Theatre in die Radio City Music Hall wurde ihr Name in Rockettes geändert.

Weltweit bekannt für ihre unglaubliche Präzision und ihren Glamour, inspirierten sie viele junge Mädchen, von einer Karriere als Rockettes zu träumen. Und mit der Wiedereröffnung der Radio City Music Hall haben die kleinen Mädchen von heute nun eine größere Chance, die Rockettes von morgen zu werden. Viele bekannte Filmstars begannen ihre Karriere im Varieté. Komiker wie George Burns und Bob Hope traten einst live auf der Bühne eines Filmpalastes auf.

Es gab Akrobaten, Tiershows, Prediger und Zauberer. Neben dem Hauptfilm konnte das Publikum mitsingen und Reiseberichte sowie Wochenschauen ansehen. Die Auswahl war riesig. Selbst wenn den Besuchern die Hälfte der Show nicht gefiel, hatten sie ihr Geld gut angelegt und gingen überzeugt nach Hause, bestens unterhalten worden zu sein. Das Festzelt, die Architektur, die Bühnenshow und der Film – alles war eigens für sie geschaffen worden.

.

Ende der 1920er-Jahre war der stetige Besucherstrom in die Kinos deutlich zurückgegangen. Zwar eröffnete gelegentlich ein neues Kino, doch nach und nach überdachten die meisten potenziellen Investoren diese Art von Investition.

1926 stand Warner Brothers kurz vor dem Bankrott. Aufgrund mehrerer misslungener Immobilienspekulationen und allgemein schlechter Einspielergebnisse war der angeschlagene Konzern verzweifelt.

Etwa zur gleichen Zeit, als Warner Brothers nach einem Wunder suchte, wurde eine Variante des Vitascope vorgestellt. Das „Vitaphone“ projizierte nicht nur Filme, sondern auch Filme mit Ton. Am 7. August 1926 feierte das Vitaphone im Manhattan Opera House in New York Premiere. Dieser frühe Tonfilm präsentierte John Barrymore und die Klänge der New Yorker Philharmoniker in einer übertrieben dramatischen Version von Don Juan. Warner Brothers ging ein enormes Risiko ein und investierte seine letzten Mittel in das Vitaphone. Der vermeintliche „Gimmick“ des Tonfilms rettete Warner Brothers und die Filmindustrie, läutete aber gleichzeitig den Niedergang der Kinopaläste ein.

Al Jolsons „The Jazz Singer“ enthielt nur wenige Dialoge und drei Lieder, doch im Oktober 1927 löste er eine Revolution aus, die viele Geschäftsleute über Nacht zu Millionären machte und zahlreiche Stummfilmstars in die Bedeutungslosigkeit verbannte.

Obwohl der Tonfilm das Publikum zurück in die Kinos lockte, waren die Kosten für den Umbau eines Kinosaals für die Tontechnik enorm. Durchschnittlich 30.000 Dollar für die Tonanlage waren eine enorme Belastung für den ohnehin schon angeschlagenen Kinobesitzer.

Auch die Schauspieler mussten sich anpassen. Vor dem Tonfilm wurde Schauspielkunst durch Mimik definiert. Innerhalb eines Jahres jedoch war jeder große Kinofilm vertont, und sowohl Schauspieler als auch Kinobesitzer mussten sich umstellen oder sich anderweitig orientieren.

Die neue Begeisterung bescherte den Kinopalästen ein kurzes Comeback. Das San Francisco Fox beispielsweise wurde 1929 spektakulär eröffnet, musste aber bereits 1931 wieder schließen.

Das Ende des Überflusses besiegelte der Kinos Schicksal. Obwohl die Menschen während der Weltwirtschaftskrise die Filme zur Ablenkung brauchten, konnten sie sich den verschwenderischen Luxus eines Kinopalastes oft nicht leisten. Sie besuchten billige, einfache Kinos oder blieben zu Hause und hörten Radio oder lasen Bücher und Zeitschriften.

Während des Zweiten Weltkriegs erlebten die Paläste eine kurze Renaissance, als das Publikum in die Kinos strömte, um sich Militärfilme und Revuen anzusehen, die Patriotismus weckten und Humphrey Bogart für Faszination sorgte. Doch 1948 sparten die Massen ihr Geld für einen Fernseher, jenen seltsam anmutenden Kasten, der dem Kinopalast den Todesstoß versetzen sollte. Was die Kinobesitzer mit ihren Wunschvorstellungen als Modeerscheinung abgetan hatten, wurde schnell zur Zukunft der Unterhaltung.
.

Als die Filmindustrie 1915 ins Wanken geriet, eilte D.W. Griffith ihr zu Hilfe. 1929 präsentierten die Produzenten den Tonfilm. Als das Fernsehen 1948 die Kinolandschaft revolutionierte, stand Hollywood vor dem Nichts.

Obwohl sich die Filmindustrie noch immer von der durch das Fernsehen ausgelösten Krise erholt, sind die meisten Filmpaläste verschwunden. Viele wurden abgerissen; heute befinden sich an ihrer Stelle Parkplätze und Wohnhäuser. Andere wurden kläglich in Rollschuhbahnen, Supermärkte, Minigolfanlagen und Pornokinos umgewandelt.
.

Seit Ende der 1960er-Jahre formiert sich eine Bewegung zur Rettung der verbliebenen Filmpaläste. Glücklicherweise haben sich die enormen Anstrengungen der Bürger ausgezahlt, und vielen alten Prachtbauten wurde in letzter Minute eine Gnadenfrist gewährt. Aufgrund ihrer geringen Kosten und ihrer hervorragenden Akustik wurden viele dieser Theater in Konzerthäuser umgewandelt.

1968 wurde das Rapp and Rapp's St. Louis Theatre renoviert und in Powell Symphony Hall umbenannt. Statt Filmen wird das Theater, das der Kapelle Ludwigs XIV. in Versailles nachempfunden ist, heute von der Musik des St. Louis Symphony Orchestra erfüllt.

Zwei Millionen Dollar wurden in die Restaurierung des riesigen Zuschauerraums investiert. Neue Theatersitze wurden eingebaut, die Marmorböden aufgearbeitet, einige kleinere Anpassungen vorgenommen, um den Orchesterklang zu optimieren, und 88.000 Dollar wurden für 24-karätige Blattgoldfarbe ausgegeben, um die Originaldetails zu restaurieren. Der Geiger Isaac Stern ehrte das altehrwürdige Theater mit einem Auftritt am Eröffnungsabend seiner Wiedereröffnung.

1927 eröffnete das Loew's Penn Theatre in Pittsburgh. Als wahres Meisterwerk von Rapp und Rapp mit seiner venezianischen Decke, den Rokoko-Stuckdetails, den Kronleuchtern aus Bronze und Kristall sowie den Seidendamast-Vorhängen wurde es in Erwartung einer langen und erfolgreichen Karriere erbaut. Doch auch es wurde schließlich vom Niedergang der Filmpaläste erfasst. Nach einem kurzen Versuch mit Musical-Komödien im Jahr 1967 schloss das Theater seine Pforten.

Die Howard Heinz Foundation erkannte das Potenzial des Gebäudes als neue Heimat des Pittsburgh Symphony Orchestra, rettete das prächtige Theater und machte es zu einem Kulturzentrum für Musik, Ballett und Oper. Um den Anforderungen eines Konzerthauses gerecht zu werden, waren umfangreiche Umbauten nötig. Die Foyers und große Teile des Zuschauerraums mussten neu gestaltet werden. Die prunkvollen Kartuschen, Kuppeln und Details aus dem Hause Rapp & Rapp blieben jedoch nach der umfassenden Sanierung erhalten. Das Loew’s Penn ist heute die Heinz Hall for the Performing Arts.

Eine weitere Erfolgsgeschichte von Rapp & Rapp ist das Paramount Arts Centre in Aurora, Illinois. Das imposante Gebäude erstrahlt wieder in seiner ursprünglichen Art-déco-Pracht. Sogar die farbenfrohe Leuchtreklame wurde als Symbol des Überlebens wieder angebracht.

Das Arts Centre verspricht, das Herzstück von Auroras neuem, prachtvollen Civic Center zu werden. Filme, Broadway-Shows und Konzerte des Fox Valley Symphony Orchestra werden dieses wiederverwertete Meisterwerk gebührend feiern.
.

Mehrere Theater von Thomas Lamb erhielten eine zweite Chance. 1971 wurde das Loew’s Ohio Theatre zum festen Spielort des Columbus Symphony Orchestra. Dieses prachtvolle Denkmal aus Lambs Luxuszeit wurde vom „Save-The-Ohio Committee“ gerettet. Selbst nach Unterzeichnung des Abrissvertrags gab die Columbus Association for the Performing Arts nicht auf. Sie mobilisierte zusätzliche Mittel, und im letzten Moment konnte das Theater gerettet werden. Heute werden dort neben dem Sinfonieorchester auch Filmklassiker mit Orgelbegleitung gezeigt.

Die prächtigen Spiegel, Marmor und Kristalle des Savoy Theatre von Thomas Lamb wurden auf Hochglanz poliert, um die Opera Company of Boston willkommen zu heißen. Nach langer Suche erkannte das Ensemble, dass der goldene Barockpalast den idealen Rahmen für die Eleganz der Oper bieten würde.
.

1970 stand das Oakland Paramount vor einer düsteren Zukunft. Timothy Pfluegers Art-déco-Palast stand kurz vor dem Abriss, während sich Appelle für den Erhalt seiner prächtigen Gold- und Mosaikdarstellungen des menschlichen Fortschritts einsetzten. Das Oakland Symphony Orchestra erwarb das Theater 1973 und rettete es mit einem Kaufpreis von einer Million Dollar vor dem Verfall.

Die Originalmöbel, Teppiche und Vorhänge wurden in nahezu identischen Stoffen nachgebildet, und der Zuschauerraum mit seinem strahlenden Goldstuck und den Gittern wurde mit Blattgold verziert. Die Zickzack-Details im Inneren sowie das gigantische Außenmosaik mit seinem unheilvollen Puppenspieler, der die Fäden der menschlichen Existenz baumeln lässt, blieben erhalten. Heute werden in dem historischen und malerischen Gebäude Sinfonien, Ballette, Konzerte und gelegentlich auch Filme aufgeführt.

Der Playhouse Square in Cleveland, Ohio, symbolisiert ein wahres Wunder für die Filmkunst. Vier separate Gebäude werden derzeit restauriert und bilden zusammen den Theaterkomplex. Thomas Lambs elegantes State Theatre beherbergt heute einen Supper Club.

Umgeben von James Daughertys farbenprächtigen Wandmalereien und Lambs Wedgwood-Decken, speisen die Gäste und genießen wieder Live-Unterhaltung. Das Ohio Theatre hingegen ist leider stark verfallen. Nach den Katastrophen von Feuer, Überschwemmung und dem letzten Schlag, der durch einen roten Anstrich noch verstärkt wurde, ist die ursprüngliche Schönheit des Theaters fast vollständig zerstört. Dennoch hoffen die Unterstützer des Playhouse Square, dass der Saal eines Tages wieder Kammermusik-, Theater- und Ballettaufführungen beherbergen wird.

C. Howard Cranes Allen Theatre zeigt wieder Filme; und das prächtigste der vier Theater, Rapp and Rapp's Palace, wird ein spektakulärer Konzertsaal. Seine Wandteppiche, Intarsiendecken, Marmorurnen, Statuen und Treppen – allesamt reich verziert mit kunstvollen französischen Details – bieten einen idealen Rahmen für klassische Musik.
.

Die Rettung dieser großartigen Theater war eine enorme Leistung, die jedoch leider in Städten, in denen ein Zentrum für darstellende Künste aktuell nicht benötigt wird, nicht gelingen kann. Zwar befinden sich einige Filmpaläste in Städten, in denen sie umgenutzt werden können, doch die meisten Theater stehen vor einer ungewissen Zukunft.

Viele Paläste befinden sich in der gleichen Lage wie G.A. Lansburghs Wiltern Theatre in Los Angeles. Dieses wunderschöne Art-déco-Gebäude mit seiner verblassten grünen Fassade hat mittlerweile einen enormen Wert von über sechseinhalb Millionen Dollar. Seine Nutzung als Filmpalast ist nicht mehr rentabel, doch sein Grundstückswert ist rasant gestiegen. Bislang liegen keine nennenswerten Angebote zur Rettung des Gebäudes vor, und ein Abriss würde den Wert des Grundstücks noch weiter steigern.

Immobilien in Innenstädten sind so wertvoll, dass Gebäude darauf enorme Einnahmen generieren müssen, um ihre Existenz wirtschaftlich zu rechtfertigen. Andernfalls besteht enormer Druck, sie abzureißen und durch Gebäude zu ersetzen, die maximalen Cashflow versprechen. Nur eine kleine Gruppe von Bürgern – selten, natürlich, darunter die Eigentümer selbst – setzt sich für den Erhalt historischer Gebäude anstelle von hohen Gewinnen ein.

Da sich Bevölkerung und Kinos in die Vororte verlagert haben, benötigt die Öffentlichkeit diese charmanten Anachronismen nicht mehr.

Selbst ihre Rolle als Fantasieschlösser ist überholt. Futuristische Gebäude wie das Hyatt Hotel in San Francisco und das Bonaventure Hotel in Los Angeles haben diese Funktion übernommen. Diese hochmodernen „Paläste“ entführen die Menschen in die Welt des 21. Jahrhunderts, hin zu Weltraumtechnologie und Science-Fiction.

Es ist eine bedauerliche amerikanische Eigenart, dass wir, während wir in die Zukunft stürmen, oft unsere Vergangenheit verleugnen und alles begraben, was uns an unser Erbe erinnert.

Unweigerlich werden viele Filmpaläste abgerissen werden. Mit jedem, der fällt, verlieren wir ein Stück von uns selbst und löschen einen Moment unserer Jugend aus, der nie wiederkehren kann. Filmpaläste boten Fantasie, Lachen und Unterhaltung in einem prachtvollen Ambiente, das moderne Kinos deprimierend trist erscheinen lässt.

Sie waren die Kathedralen, in denen die Menschheit zum ersten Mal in der Massenkommunikation per Videokonferenz zusammenkam. Die dort begonnene Transformation des menschlichen Bewusstseins durch die Medien zählt zu den weitreichendsten Entwicklungen dieses Jahrhunderts. Indem wir ihre Ursprünge zerstören, berauben wir uns selbst.

Indem wir unsere Vergangenheit auslöschen, rechtfertigen wir unseren Verlust mit dem Zauberwort „Fortschritt“. Diese Zerstörung nährt eine erschreckende Gefühllosigkeit, die unsere Werte verzerrt. Das Movie Palace ist ein zentrales Symbol der amerikanischen Sozial- und Kulturgeschichte. Wenn wir es zerstören, begehen wir einen unwiederbringlichen Fehler.
.