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Im Januar 1931 kündigte Rothafel seine Stelle in dem geliebten, nach ihm benannten Theater und zog mit den Rockefellers in die Upper East Side, um sich einer neuen Herausforderung zu stellen.

Das neue Gebäude wurde von "The Associated Architects" entworfen, einer Organisation, zu der auch Raymond Hood und Edward Durell Stone gehörten. Es wurde ein Wettbewerb ausgeschrieben, um einen Innenarchitekten zu finden, der dem Rockefeller Center würdig war. Mehrere traditionsreiche und vermögende Firmen reichten Pläne ein.

Ein bis dahin wenig bekannter Künstler namens Donald Deskey, der gerade von der "L'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes" (der berühmten Pariser Ausstellung, die die Art-déco-Bewegung begründete) zurückgekehrt war, schien ein ungewöhnlicher Kandidat zu sein, doch seine Reise nach Paris erwies sich als Glücksgriff.

Sein erworbenes Wissen passte perfekt zum Thema der Radio City Music Hall: dem Fortschritt der Menschheit in Kunst, Wissenschaft und Industrie. Im Alter von 35 Jahren und mit nur 5.000 Dollar auf dem Konto erhielt Donald Deskey den prestigeträchtigen Auftrag. Die Wahl erwies sich als weise, denn Deskeys Werk gilt bis heute als Meisterwerk des "Art déco".

Das Innere der "Radio City Music Hall" zeichnet sich durch eine elegante Schlichtheit aus, die sich am besten im riesigen Grand Foyer zeigt. Mit einer Höhe von 18 Metern und einer Länge von 45 Metern ist das Foyer eine perfekte Komposition aus Spiegeln, Marmor, Blattgold und Bronze. Das prächtige Wandgemälde an der Südwand bildet eine harmonische Ergänzung zum Gesamtbild.

Deskey experimentierte mit den neuesten Materialien wie Bakelit, Kork und Aluminium, und seine Möbel verkörperten die für die Moderne so typische symmetrische Perfektion. Er engagierte die besten Künstler und Handwerker, die er finden konnte. Trotz strenger Budgetvorgaben beliefen sich die Baukosten der Radio City Music Hall auf über sieben Millionen Dollar.
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Die Premiere war ein klassisches "Samuel Lionel Rothaf"-Spektakel. Amelia Earhart, Charlie Chaplin, William Randolph Hearst, Noel Coward und Irving Berlin waren nur einige der Berühmtheiten, die die 6.200 Plätze besetzten. Über ihnen wölbte sich eine prächtige Decke, durch deren Proszeniumsbogen ein sanft beleuchteter Sonnenaufgang schimmerte.

Das Theater war spektakulär, doch irgendetwas stimmte nicht. Die Show begann 45 Minuten verspätet, und selbst Ray Bolger, die Flying Wallendas und die Roxyettes konnten die erdrückende Übertreibung nicht aufhalten. Es gab 19 verschiedene Vaudeville-Nummern, und als die letzte – um 2:30 Uhr morgens – endlich beendet war, verbeugte sich der Künstler vor einem nur halb gefüllten Saal.

Angesichts der Pracht seines Theaters stand Roxy im hinteren Teil des Saals und betrachtete sein kolossales Desaster. Nur wenige Jahre zuvor hatte er das "Roxy Theatre" mit dem Fernglas abgesucht, vergeblich auf der Suche nach einem Paar verschlafener Augen.

Wenn er ausnahmsweise einen gelangweilten Besucher entdeckte, befragte er ihn persönlich, um herauszufinden, was los war. Am 27. Dezember 1932 brauchte der geschlagene Impresario kein Fernglas mehr, um zu sehen, dass viele nur geblieben waren, weil sie zu schläfrig waren, um aufzustehen und zu gehen.

Roxy hatte gegen eines seiner eigenen Grundgesetze verstoßen. Er hatte alles übertrieben. Die Unterhaltung war die beste der Branche, aber sie schien endlos zu dauern. Die Enttäuschung war verheerend für Roxy. Bereits Opfer eines Herzinfarkts, war er zu schwach, um die Kritiken zu ertragen, die am nächsten Morgen in den Zeitungen erschienen. Noch bevor er sie lesen konnte, brach Roxy zusammen, ein Mann mit gebrochenem Herzen.

Roxy hatte sein Unterhaltungskonzept auf der Annahme entwickelt, dass Filme der Vergangenheit angehören würden. Er sagte voraus, dass sich schließlich eine erstklassige Vaudeville-Gruppe als Ersatz entwickeln würde. In der Hoffnung, immer einen Schritt voraus zu sein, fiel er kläglich zurück.

Als er wieder gesund genug war, um ins Theater zurückzukehren, stellte er fest, dass Filme im Mittelpunkt der Unterhaltung standen und er selbst als Mitarbeiter unerwünscht war. Die Belastung beeinträchtigte zunehmend seine Gesundheit, und am 13. Januar 1936 starb Roxy im Alter von 53 Jahren. Die Zeit hatte sich weiterentwickelt, und seine Ideen waren so überholt wie das "Movie Palace" nur wenige Jahre später.

Die "Radio City Music Hall" überstand ihre anfänglichen Kritiken dank ihrer schieren Schönheit. Trotz der anfänglichen Bühnenpräsentation wurde die Architektur als prachtvoll anerkannt. Ironischerweise wurde der Saal kürzlich (wann war das ??), basierend auf Roxys ursprünglichem Konzept von Live-Auftritten, zu neuem Leben erweckt.

Das Publikum bestaunt erneut die prunkvolle Inszenierung und genießt erstklassige Unterhaltung. Der Innenraum wurde 1979 umfassend renoviert. Sechszig Fuß lange goldene Vorhänge wurden neu gewebt, die Stoffe nachgebildet, die Wurlitzer-Orgel restauriert und die Graffiti von Deskeys Original-Wandmalereien sorgfältig entfernt.

Obwohl das Theater sein Andenken bewahrt hat, war die "Radio City Music Hall", anders als sein Triumph und Lieblingsort, das "Roxy Theatre", nie wirklich Teil von Roxy. Seine Karriere endete mit dem Verlassen des Roxy-Palastes, der seinen Namen trug. Für Samuel Lionel Rothafel symbolisierte das "Roxy Theatre" stets seinen Traum.

Nun ist nur noch der Traum übrig. 1960 stürzten die prächtigen Säulen des Roxy in Trümmern ein, um Platz für ein Bürogebäude zu schaffen. Gloria Swanson kehrte zu dem Theater zurück, das sie 33 Jahre zuvor miteröffnet hatte, und schritt mit würdevoller Trauer durch die Schuttreste, um Roxy und seinem größten Werk ein letztes Mal Lebewohl zu sagen.

Während Roxy damit beschäftigt war, die Städte des Ostens mit Theatern zu schmücken, verschönerte ein kleiner Mann mit dichtem Lockenhaar die Hauptstadt der Filmwelt mit ebenso fantastischen Palästen. Obwohl er kaum ein Rivale war, war Sidney Patrick Grauman vielleicht Roxys größter Nachahmer.

Grauman verbrachte seine frühen Jahre damit, mit der Minstrel-Show seines Vaters durchs Land zu reisen. Schon als kleiner Junge unterhielt er Arbeiter in der Goldgräberstadt Dawson City in Alaska. Das unstete Leben auf Tournee langweilte den jungen Sid, und er überredete seinen Vater, die Minstrel-Show aufzugeben und ihr Glück im Filmgeschäft zu versuchen.

Sie taten sich zusammen, und 1906 bauten Sid und David Grauman ein Geschäft in San Francisco zu einem Kino mit 800 Plätzen um. Es war ein Erfolg, und die Graumans eröffneten daraufhin ein noch größeres Kino namens "Imperial", in dem sie Filme mit Live-Varieté-Aufführungen kombinierten.

1917 erkannte Sid Grauman, dass es angesichts Hollywoods Status als Unterhaltungshauptstadt Amerikas nur logisch erschien, dort einen Filmpalast zu errichten. Grauman erkannte sein Potenzial, das Roxy der Westküste zu werden, und entwickelte ein einzigartiges Unterhaltungsformat.

Während die Bühnenshow des Roxy völlig unabhängig vom Film war, knüpfte der Grauman-„Prolog“ direkt an das Thema des Films an. Live-Western-Unterhaltung eröffnete die Cowboyfilme; Modenschauen gingen den eleganten Liebesfilmen voraus.

Das "Million Dollar" war Sid Graumans erster Filmpalast. Der Name des Theaters bezog sich auf den Wert des Grundstücks zuzüglich der Baukosten. Das vorwiegend spanisch geprägte „Million Dollar“-Theater nutzte auch viele andere Stilelemente. In einem Triumph der Fantasie über Chronologie und Kohärenz verschmolz barocke Architektur mit kubistischen Verzierungen zu einer Kulisse, die von antiken Kriegern und heidnischen Göttern bevölkert schien.
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Mit der Eröffnung des „Million Dollar“ wollte Grauman den Broadway von Los Angeles zum „Great White Way of the West“ machen. Das Theater wurde 1917 in Anwesenheit von Charlie Chaplin, D. W. Griffith, Mack Sennett und Cecil B. DeMille eröffnet.

Das „Million Dollar“ existiert noch heute, trägt aber nun den Namen „El Teatro Million Dollar“. Früher warteten die Menschen stundenlang, um Filme zu sehen, heute stehen sie Schlange, um Cantinflas und Maria Lopez zu sehen.

Noch näher am Puls der Filmwelt errichtete Grauman nach seinem nächsten Theater, dem "Rialto", ein imposantes Bauwerk mitten in Hollywood: das "Egyptian Theatre", dessen Architektur an das antike Theben angelehnt war. Die ausgiebige Verwendung von Hieroglyphen, Sphinxen, Käfern und nubischen Sklaven vermittelte dem Besucher das Gefühl, gerade das Grab von König Tutanchamun betreten zu haben.

1923 kehrte Grauman in die Innenstadt zurück, um das "Metropolitan" zu errichten. Entworfen von William Lee Woollett, wurde das Metropolitan einem antiken Tempel nachempfunden. Woollett glaubte, dass die Öffentlichkeit aufgrund des Krieges noch immer etwas desorientiert war und ein eklektisches Dekor im Stil eines Filmpalastes der Stimmung der geistigen Verwirrung am besten entsprechen würde.

Das Ergebnis war bizarr und zugleich von einzigartiger Schönheit. Woollett erzielte einen exotischen und zugleich archaischen Effekt, indem er den noch feuchten Putz der Wände des Metropolitan mit einem Fresko einer antiken Ruine bemalte. Anstelle des traditionellen Kronleuchters wurde eine schwarze Glasleuchte angebracht, die ein schillerndes Spektrum bunter Lichter eindrucksvoll reflektierte.

Graumans nächstes Theater markierte den Höhepunkt seiner Karriere. Das "Chinese Theatre" war für Grauman das, was das "Roxy" für Rothafel war. Entworfen vom Architekturbüro Meyer und Holler, war der Pagodenpalast authentisch chinesisch eingerichtet, bis hin zum Gong im Innenhof und den handgewebten Teppichen. Eine imposante, fast 18 Meter hohe Skulptur aus kunstvoll geschnitzten Silberdrachen dominierte die Decke.

Am Eröffnungsabend herrschte reges Treiben auf dem Hollywood Boulevard. D. W. Griffith führte durch den Abend, und als er Mary Pickford das Signal zum Beginn der Vorstellung gab, drückte sie einen Jadeknopf und eröffnete damit ein Theater, das seit 1927 eine bedeutende Touristenattraktion geblieben ist. Obwohl Sid Grauman als Meister der Showmanship galt, entstand seine größte PR-Aktion durch Zufall.

Eines Nachmittags kurz vor der Eröffnung des "Chinese Theatre" nahm Grauman Norma Talmadge mit, um die Bauarbeiten zu beobachten. Dort angekommen, trat Miss Talmadge versehentlich in nassen Beton. Graumans Augen leuchteten auf; Er bat Miss Talmadge, ihren Fußabdruck mit ihrer Unterschrift zu versehen, und so begann eine fünfzigjährige Tradition.

Als Grauman beschloss, seine Kinos in Los Angeles zu bauen, wurde er gewarnt, dass aufgrund der geografischen Lage niemand ins Stadtzentrum zum Theater fahren würde. Grauman widerlegte diese Warnung. In den 1920er und frühen 1930er Jahren strömten die Besucher in die Kinos in der Innenstadt und in Hollywood. Selbst eine zusätzliche Fahrt von 50 Kilometern war die Vorstellung wert.

Die Zeit belehrte jedoch sowohl Grauman als auch seine Kritiker eines Besseren: Weder das Design noch die Lage eines Theaters reichen aus, um Besucher anzulocken oder abzuschrecken. Heute sind es die Filme selbst, die das Publikum anziehen.

Viele talentierte Architekten trugen zu dieser extravaganten Ära bei. Doch die ästhetische Qualität ihrer Arbeit wurde, wie die der frühen Filmregisseure, von den damaligen Kulturkritikern oft ignoriert. Viele Kritiker betrachteten Filme und ihre Kinos bestenfalls als extravagante Kuriositäten und keinesfalls als legitime Kunstformen. Die Architekten der Filmpaläste machten sich diese Missbilligung jedoch zunutze und genossen die künstlerische Freiheit, die ihnen als Rebellen gewährt wurde. Ihre ungezügelte Kreativität fand in diesen Tempeln der Fantasie den perfekten Ausdruck.

Als der Begriff „Theater“ veraltete und durch „Palast“ ersetzt wurde, entwickelten sich zwei Hauptstile der Architektur: Der Standardstil, auch Hardtop genannt, war eine exotischere Variante des Opernhauses und des Varietétheaters. Das Atmosphärentheater (erfunden von John Eberson) mit seiner Decke aus funkelnden Sternen und dahintreibenden Wolken sowie seinen mit mediterranen Motiven verzierten Wänden erzeugte die Illusion, den Film unter einem Nachthimmel in romantischer Kulisse zu sehen.

Der berühmteste Hardtop-Architekt war der Schotte Thomas W. Lamb. Im Laufe seiner Karriere entwarf er über dreihundert Theater. Lamb baute seinen ersten Filmpalast 1909, doch seine Karriere nahm 1913 Fahrt auf, als Henry Marvin ihn mit dem Entwurf des "Regent Theatre" beauftragte. Diese Aufgabe ebnete ihm den Weg, der sich stark an die Anfänge der Karriere von Samuel Rothafel anlehnte.

Das Regent-Kino ließ die New Yorker einen Vorgeschmack auf die architektonischen Wunderwerke der Filmpaläste bekommen, und Lambs Fassade im Stil der italienischen Renaissance mit ihren Arkaden signalisierte Passanten, dass die Zeiten der Nickelodeons endgültig vorbei waren.

In seiner frühen Karriere war Lamb stark von dem schottischen Architekten Robert Adam aus dem 18. Jahrhundert beeinflusst. Adam war ein Neoklassizist, der in ganz England herrschaftliche Anwesen entwarf. Er ließ sich vom Palladianismus inspirieren, und sein strenger, eleganter Stil wurde durch eine umfangreiche Verwendung von Säulen, Kuppeln und Bögen. Indem er Adams symmetrische Linien und klassische Ornamente adaptierte, schuf Lamb Gebäude von subtiler, aber dennoch prachtvoller Schönheit.

Nach dem "Regent Theatre" errichtete Lamb das "Strand Theatre" am Broadway mit korinthischen Säulen und wunderschönen, von Wedgwood inspirierten Decken. Die Deckenpaneele waren in Blau- und Weißtönen gehalten und elegant in kunstvolle Kuppeln eingelassen.

Das "Rialto Theatre" war Lambs nächstes Projekt. Anschließend trieb er es mit dem "Rivoli Theatre" im Jahr 1917 auf die Spitze und schuf am Broadway eine Terrakotta-Nachbildung des Parthenon in Athen. Zu Lambs klassischen Theatern zählten das "Stanley Theatre" in Philadelphia, das "Loew’s Orpheum" in Boston, das "Loew’s State Theatre" in St. Louis und das "Albee Theatre" in Cincinnati.

Das "Loew’s Orpheum" in Boston wurde 1916 erbaut. Auch hier gab es die traditionelle große Marmortreppe und Gewölbedecken, die im Stil der exquisiten Keramik von Josiah Wedgwood bemalt waren. Der Bau des Orpheum kostete zwei Millionen Dollar, davon entfielen 78.000 Dollar allein auf Marmor.

Das "Loew’s State" in St. Louis wurde 1924 erbaut und bot einen Einblick in Lambs elegantestes Schaffen. Die Fassade zeichnete sich durch gigantische Säulen und Eckpilaster aus. Die Lobby war ein Wunderland aus Marmor, Springbrunnen und korinthischen Säulen. Auch das Foyer war prunkvoll. Neben dunkelbraunen Walnussholzvertäfelungen bestach es durch eine palladianische Note: Eine Marmorbalustrade bildete ein Fenster, durch das ein Meeresmotiv zu sehen war. Eine anmutige Treppe aus violettem Marmor mit kannelierten toskanischen Säulen vervollständigte das Foyer. Das Innere des Auditoriums bestach durch zwei prachtvolle Gemälde der Musen von Drama und Musik, die von korinthischen Säulen mit blau-weißen Wedgwood-Sockeln eingerahmt wurden.

Das "Albee Theatre" in Cincinnati, das bereits einen Vorgeschmack auf seinen späteren, ausgeprägteren Stil bot, vereinte den Neoklassizismus Adams mit der Üppigkeit des Rokoko. Dreißig bronzene und abgeschrägte Glastüren bildeten einen Eingangsbereich von überwältigender Opulenz.

Dann, offenbar vom Prunk der Zeit fasziniert, verwarf Lamb den neoklassizistischen, konservativen Stil und wandte sich mit Begeisterung dem italienischen Barock und dem prunkvollen Louis-XVI-Stil zu. Statt geschmackvoller korinthischer Säulen verzierte er seine Theater nun mit Putten, Blattgold und üppigen Stuckornamenten.

Das "Midland Theatre" in Kansas City repräsentierte Lambs luxuriöse Schaffensphase perfekt. Neben seiner ungeheuren Extravaganz war das Midland auch architektonisch und ingenieurtechnisch innovativ. Es beherbergte die erste freitragende Logenkonstruktion sowie das erste Kühl-, Heiz- und Belüftungssystem eines Theaters in den Vereinigten Staaten. Für die Fertigstellung des prachtvollen barock- rokokoartigen Interieurs waren fünfzehn Bildhauer und über hundert Handwerker erforderlich. Die eleganten Antiquitäten, die es schmückten, stammten aus dem Stadthaus von William K. Vanderbilt in New York City.

Das "Midland", einst der persönliche Lieblingsort des Theatermagnaten Marcus Loew, erlebte in den Jahren nach seiner Errichtung 1927 zahlreiche Veränderungen. Anfang der 1960er-Jahre wurde das prunkvolle Theater mit seinen 6,5 Millionen Quadratzoll Blattgold und Blattsilber in eine Bowlingbahn umgewandelt.

1964 restaurierte die Durwood-Theaterkette für über 500.000 US-Dollar Lambs eklektische Details: tschechoslowakische Kristalllüster, kaiserlich-russische Adler, lebensgroße Putten, korinthische Säulen und goldene Pfauen.
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Ein vielleicht noch extravaganteres Beispiel für Lambs Luxuszeit war das extravagante "San Francisco Fox", das mit prachtvollen Antiquitäten und Gemälden ausgestattet war, die die Frau des Besitzers, Eve Leo Fox, auf europäischen Märkten erworben hatte.

Das Fox-Kino, das am Ende der Ära der Filmpaläste eröffnet wurde, dümpelte viele Jahre vor sich hin und wurde 1963 abgerissen. Lamb, der sich nicht mit dem Barock- und Louis-XVI-Stil zufriedengab, schien entschlossen, seine frühen Adam-Überzeugungen vollständig aufzugeben.

1929 wandte er sich hinduistischen, persischen, chinesischen und spanischen Einflüssen zu, um die Loew-Kinokette in New York zu gestalten. Lamb dekorierte das "Loew’s State" in Syracuse sowie die "Loew’s-Kinos" in der 175. und 72. Straße in New York City mit Darstellungen von Sklaven, Pferden, Elefanten und orientalischen Königen sowie mit exotischen, juwelenbesetzten und farbenprächtigen Wandmalereien, Säulen und Teppichen.

In seinem Kino in der 72. Straße wagte Lamb es sogar, John Ebersons atmosphärische Wolken nachzubilden. Dieser riesige Saal im siamesischen Stil war mit Aladdin-Laternen, goldenen Gittern und Buddha-Statuen geschmückt. Die von den Wolken erzeugte Atmosphäre war geheimnisvoll, und die bronzenen Weihrauchgefäße vermittelten den Eindruck einer unheilvollen und zugleich magischen Welt.

Das 1932 erbaute "Loew's 72nd Theatre" verfügte über fünf Hundezwinger für die Haustiere seiner Besucher und einen prachtvollen Kosmetikraum im Art-déco-Stil. 1961 wurde dieser ganze Glanz abgerissen, um Platz für ein Wohnhaus zu schaffen.

Während Thomas Lamb traditionell begann und sich später dem Extravaganten zuwandte, stand außer Frage, dass John Eberson ein Meister des Exotischen war.

Eberson gilt als Begründer des atmosphärischen „Sterne-und-Wolken“-Theaters. Der österreichische Architekt wusste instinktiv, dass sich das amerikanische Publikum nach absoluter Fantasie sehnte. Sein erster Ausflug in die Welt des architektonischen Eskapismus war 1922 mit dem "Majestic" in Houston, Texas.

Atmosphärische Theater wie das "Majestic" boten eine wahrhaft unwirkliche Umgebung. Sobald die Besucher den Saal betraten, wurden sie wie von Zauberhand wieder nach draußen versetzt, nur dass sie sich diesmal in einem spanischen Patio, einem ägyptischen Tempel, einem persischen Hof oder einem italienischen Garten wiederfanden – stets unter einem romantischen Nachthimmel.

Die Baukosten für ein Atmosphärentheater waren deutlich niedriger als für ein herkömmliches. Die Decke bestand aus schlichtem Beton, auf den mit Hilfe eines kleinen Geräts namens Brenograph Junior nächtliche Bilder projiziert wurden.

Während die Besucher von ihren bequemen Sitzen aus nach oben blickten, schienen zarte Wolken über den Betonhimmel zu ziehen. Eine Gipsfigurensammlung von Göttern, Göttinnen, Ranken, ausgestopften Vögeln und anderen pastoralen Motiven schmückte die Wände.

Als erstes Atmosphärentheater verwirklichte das "Majestic" Ebersons Traum, die Illusion der Natur durch ein perfektes Zusammenspiel von Licht, Farbe und Architektur in den Innenraum zu holen. Eberson genoss es aber auch, die sorgfältig geschaffene Atmosphäre mit humorvollen Anachronismen zu durchbrechen.

So störte er kurz die stille Ruhe eines klaren, blauen Abends der italienischen Renaissance, indem er das Bild eines modernen Flugzeugs über sich projizierte. Solche Effekte wurden durch verschiedene Varianten des Brenograph Junior ermöglicht.
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Das "Avalon Theatre" in Chicago war Ebersons größtes Juwel. Bis hin zur letzten handgefertigten Fliese wirkte das Avalon wie ein authentischer persischer Tempel. Hoch über dem Proszeniumsbogen hing ein riesiges Tuch, das wie ein Wüstenzelt die Künstler vor Sternschnuppen zu schützen schien. Laternen, ein Minarett als Skyline und ein Brunnen mit fließendem Wasser rundeten das Bild ab.

Eberson baute über hundert Theater, und alle kunstvollen Säulen, Gitter und Statuen, die er darin verwendete, wurden in seinem eigenen Gipsfabrik-Imperium, den Michelangelo Studios, hergestellt. Dort entstanden einige bemerkenswerte Werke.

Das "Paradise Theatre" in der Bronx beispielsweise beherbergte Statuen, die von den Wächtern der Medici-Gräber in Florenz inspiriert waren.

Neben Statuen und ausgestopften Vögeln bot Ebersons "Uptown Theatre" in Kansas City kostenlose Parkplätze sowie eine Begleitung zum Parkplatz durch einen uniformierten Angestellten mit weißen Handschuhen. 1939 ließ sich dieses einzigartige Schautheater eine neue Erfindung patentieren: „Fragratone“. Diese aromatische Köstlichkeit verströmte in den blumigsten Momenten der Leidenschaft im Film verschiedene Düfte aus den Lüftungsschlitzen der Klimaanlage.
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Obwohl Eberson und Lamb als die bedeutendsten Designer von Filmpalästen gelten, gab es viele andere Architekten, die das amerikanische Stadtbild mit ihren Tempeln, Palästen und funkelnden Sternen prägten.
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Das Chicagoer Architekturbüro C.W. und George Rapp trieb die von Eberson und Lamb geschaffenen Fantasien noch weiter. Ausgehend von ihrer idealistischen Philosophie, dass im Glanz und Glamour eines Filmpalastes alle Menschen vereint sein könnten, errichteten Rapp und Rapp Refugien der Illusion, in denen Arm und Reich gemeinsam Ruhe und Erholung fanden.

Das "Central Park" war ihr erstes Theater. Es wurde 1916 eröffnet und bescherte Chicago seinen ersten Filmpalast. Gleichzeitig etablierte es Rapps Arbeitgeber, die Balaban & Katz-Gruppe, als das Pendant zum "Roxy Theatre" im Mittleren Westen.

Mit Theatern, die den hohen Preis der Fantasie verdeutlichten, prägten Rapp und Rapp das Stadtbild und brachten mit dem Oriental Theatre die ganze Pracht des Orients nach Chicago. Dann schufen sie mit dem "Chicago Theatre" und dem "Tivoli Theatre" ein zweites Versailles in der Nähe des Loop.

Das 1921 erbaute Chicago Theatre war der Inbegriff französischer Opulenz. Ganz im Stil der für Rapp & Rapp typischen Extravaganz verfügte es nicht nur über eine, sondern gleich drei Kassen. Die Lobby war mit Kristall- und Bronze-Kronleuchtern von Pearlman geschmückt, und die Wände des Zuschauerraums waren mit majestätischen Logen gesäumt. Die Innenausstattung des Theaters stammte von Marshall Field and Company und war in Blau-, Rot- und Goldtönen gehalten.

Das "Ambassador Theatre" von Rapp & Rapp in St. Louis präsentierte sich im prunkvollen Stil eines spanischen Karnevals. Wie bei all ihren Theatern übertrieben Rapp & Rapp auch hier die ohnehin schon gigantischen Dimensionen.

Dies wurde durch Bögen, Gewölbe, eine imposante Treppe mit kunstvollen Messinggeländern und einen zwölf Meter hohen Spiegel erreicht, der die Pracht noch verdoppelte. Die Decke des Zuschauerraums bestand aus elf silbernen Blattkuppeln, die, wenn sie beleuchtet wurden, den atmosphärischen Effekt eines silbernen Himmels erzeugten.
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In dieser Zeit war es ein beliebter Trend, in einer Stadt ein Theater zu errichten und es bei Erfolg in einer anderen Stadt nachzubauen. Die "Fox-Theater" von C. Howard Crane in Detroit und St. Louis waren Beispiele für solche Zwillingsbauten.

Im „siamesisch-byzantinischen“ Stil errichtet, vereinten diese Theater auf ungewöhnliche Weise maurische, fernöstliche und indische Elemente. Der imposante Kronleuchter erstrahlte mit 696 Glühbirnen und reflektierte das prismatische Lichtspiel von 1.244 geschliffenen Glasstücken. Die riesige Kugel wog zweieinhalb Tonnen und kostete 40.000 Dollar.

Das "Fox Theatre" in Atlanta, Georgia, ist etwas ganz Besonderes, selbst angesichts des typischerweise pompösen Eklektizismus der Filmpalastarchitektur. Mit seinen islamischen Motiven war das Fox ein Meisterwerk der Fliesenkunst im Innen- und Außenbereich. Die aufwendig gestalteten Außenterrassen dienten gleichzeitig als Feuertreppen.

Der Zuschauerraum war ebenso prunkvoll, und man hätte eher einen turbanbehangenen Gläubigen auf einem Gebetsteppich erwartet als eine amerikanische Hausfrau, die von John Barrymore schwärmt. Das von P. Thornton Marye entworfene „Xanadu von Dixie“ erstreckte sich über einen ganzen Häuserblock und bot ein wahres Mekka an Rokoko-Teppichen, byzantinischen Ziegeln, barocken Balkonen, ägyptischer Kunst und arabischen Bögen.

Ursprünglich als Freimaurerloge mit dem Namen „Yaarab-Tempel des Alten Arabischen Ordens der Edlen des Mystischen Schreins“ erbaut, wurde es von William Fox finanziert und 1929 in ein Kino umgewandelt. Ein erstaunliches Dekorationsdetail trug zur eindrucksvollen Atmosphäre bei: Die Baldachindecke, die auf den ersten Blick wie ein riesiges, gestreiftes Zelt wirkte, bestand in Wirklichkeit aus Gips auf einer Stahlunterkonstruktion. Um die Authentizität zu erhöhen, wurde in der Mitte des Baldachins ein Hauch von braunem Schimmel aufgemalt.
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Im Südwesten der USA erfreuten sich aztekische Motive großer Beliebtheit. Das "Phoenix Aztec Theatre", das "Meyer and Holler Aztec Theatre" in San Antonio, Texas, und das "Mayan Theatre" in Los Angeles wurden allesamt im Stil des alten Mexiko gestaltet.

Das 1927 von Morgan, Walls & Clements erbaute "Mayan Theatre" in Los Angeles bestach durch eine gewaltige Terrakottafassade, die einer Ruine auf der Halbinsel Yucatán nachempfunden war. Durch den innovativen Einsatz von Farben wurde ein gealtertes Aussehen erzielt, das den Eindruck erweckte, das Mayan Theatre sei von Archäologen ausgegraben worden.

Der geflieste Foyerboden zeigte eine Holzschnitzerei eines alten Tempels aus Guatemala. Szenen aus der Mythologie bedeckten die Wände: Himmelsgötter, Sonnengötter, Feuervögel und betende Maya verschmolzen mit den farbenfrohen aztekischen Symbolen.

Die freitragende Decke präsentierte zudem eine kolossale Darstellung eines Maya-Kalenders mit einem sternförmigen Kronleuchter im Zentrum. Auch nautische Motive wurden zur Dekoration des Movie Palace verwendet. Das Avalon Theatre auf Catalina Island vor der Küste von Los Angeles wurde 1929 von Weber und Spaulding erbaut, um neben einem Casino auch die Wunder des Paradieses von König Neptun zu präsentieren. Das Theater wurde im spanischen Stil errichtet, jedoch mit einer modernen Interpretation. Die Unterwasserwelt wurde durch Meerjungfrauen, die an den kunstvollen Wänden entlangschwammen, hervorgehoben.

Benjamin Marcus Priteca, einer der extravagantesten Architekten von Filmpalästen, und S. Charles Lee, einer der produktivsten und einflussreichsten Theaterbauer an der Westküste, wirkten an dem Projekt mit.

Im Alter von 21 Jahren erhielt Benjamin Priteca von Alexander Pantages den Auftrag, das erste Pantages-Theater in San Francisco zu entwerfen. Pantages war Grieche und bestand darauf, dass Pritecas frühe Theater nach den klassischen Vorbildern seiner Heimat gestaltet werden sollten. Die Pantages-Theater zeichneten sich durch hervorragende Akustik, dreifache Kuppeldecken und aufwendige Buntglasfenster aus.
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Eines von Pritecas frühen Theatern war das "Coliseum" in Seattle. Das 1916 erbaute Coliseum vereinte in seiner ursprünglichen Dekoration klassische und orientalische Elemente mit ägyptischen Wandmalereien und Basreliefbüsten von Renaissance-Akten.

In seiner Blütezeit beherbergte das "Coliseum" dreißig Kanarienvögel im Foyer im Obergeschoss, und die Decke des Zuschauerraums funkelte mit Darstellungen des Großen Wagens und des Polarsterns.

1923 gab Priteca das griechische Motiv auf und wählte für das "San Diego Pantages" ein spanisches Thema. Darauf folgte ein prächtiges Theater im italienischen Renaissancestil, das das ursprüngliche San Francisco Pantages ersetzen sollte.

1927 entwarf Priteca das "Seattle Orpheum" und verzierte es mit kunstvollen Ziegeln, Marmor und Bronze. 1928 errichtete Priteca das "Paramount Theatre" in Seattle. Das imposante Foyer erstreckte sich über vier Stockwerke, und seine zwei goldenen Kristalllüster spiegelten die prunkvolle Decke und den beigefarbenen und schwarzen Marmor im Inneren wider.

Das "Hollywood Pantages" war Pritecas berühmtestes Theater. Viele Jahre lang fanden in seinem Zuschauerraum die Oscar-Verleihungen statt. Dieses prachtvolle Theater mit seinen goldenen Göttinnenfiguren und den Verzierungen aus Nussbaumholz und Marmor war einst Schauplatz eines Konzerts von Sergei Rachmaninow am Klavier mit Orchester unter der Leitung von Leopold Stokowski.

1949 wurde das Theater von der Familie Pantages an RKO, damals im Besitz von Howard Hughes, verkauft, der ein Büro über dem Theater unterhielt. Das Pantages hat sich als erfolgreiches Musicaltheater etabliert, und obwohl es umfassend umgebaut wurde, gilt das Wahrzeichen am Hollywood Boulevard weiterhin als elegantes Unterhaltungszentrum.

S. Charles Lee, Pritecas Kollege von der Westküste, absolvierte seine Ausbildung bei der Chicagoer Firma Rapp and Rapp. Im Laufe seiner langen Karriere baute oder sanierte Lee über vierhundert Theater in der ganzen Welt. Da er der Überzeugung war, dass die Show auf dem Bürgersteig begann, bestand er darauf, dass Leuchtreklame, Kasse und Leuchtturm eine harmonische und ansprechende Fassade bildeten. Und weil die Lichter zwischen den Live-Auftritten und Filmvorführungen so oft angingen, musste auch der Innenraum ebenso spektakulär sein.

Das Los Angeles Theatre, Lees prunkvollster Bau, wurde 1931 für zwei Millionen Dollar eröffnet. - Charlie Chaplin spendete zusätzlich, um sicherzustellen, dass das Theater rechtzeitig zur Weltpremiere seines Klassikers „Lichter der Großstadt“ fertiggestellt war.
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Die opulente Dekoration schilderte das Leben und die historische Zeit Ludwigs XIV. Der Zuschauerraum besaß eine prächtige Kassettendecke mit zahlreichen Wandmalereien im Stil der französischen Renaissance. Zwei imposante Treppenhäuser trafen sich an einem riesigen Brunnen aus Carrara-Marmor. Umgeben von zehn Delfinskulpturen ergoss sich das Wasser anmutig über sechs Stufen in ein Becken.

Das "Los Angeles Theatre" ermöglichte es Lee, mit seinem frühen Äquivalent zum Fernsehen mit geschlossenem Kreislauf zu experimentieren. Er entwickelte ein Prismensystem, das den Film vom Vorführraum auf eine kleine Leinwand im Hauptsaal übertrug.

Hier, inmitten erlesener französischer Antiquitäten, konnte ein später Zuschauer den Film genießen, ohne das Publikum zu stören. Das Theater verfügte außerdem über einen schallisolierten „Weinraum“ (einen "sound-proof crying room"), in dem Mütter ihre weinenden und schreienden Säuglinge in die Obhut einer Aufsichtsperson geben konnten. Ohne die Ablenkung durch ihr Kind konnte sich eine Frau besser auf die Augen von John Gilbert konzentrieren.
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S. Charles Lee gab seine Kunst 1948 auf, als deutlich wurde, dass eine neue, weniger charmante Ära angebrochen war. Heute konzentrieren sich die meisten Theaterarchitekten mehr auf technische als auf ästhetische Herausforderungen. Ihre Gebäude sind funktional, nicht prunkvoll, und ihr Vermächtnis an die Zukunft ist die moderne Version des Kaufhaus-Kinos – das Einkaufszentrum-Kino.
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